descarga del dossier >>

Interacción entre Pintura y Música, Materia y Sonido, Color y Timbre, Dibujo y Melodía, Pincelada y Gesto, Mancha y Textura, Estructura y Forma, Forma y Composición, Campo de Color y Ambiente, Fondo y Acompañamiento, Movimiento y Ritmo, Acción Pictórica y Acción Sonora.

SOUND PAINTING
SIRIUS & JUAN LUIS GOENAGA
música experimental + pintura

Juan Luis Goenaga, pintor
Guillermo Lauzurica, sampler
Ignacio Monterrubio, laptop
Alfonso G. de la Torre, sintetizador
Javier Larreina, escenografía

Un pintor, tres músicos, un escenógrafo y un video-creador interactuando en un happening -concierto-performance-acción. La improvisación tiene un papel importante dentro de la estructura formal-composición. Música Electroacústica en Vivo, Dripping, Tachismo, Action Painting, Body Painting (el pintor es parte del resultado plástico), Video Creación, Música Experimental, Acción, Movimiento, Gesto. Un espacio circular con gradas para el público. La acción pictórica sobre el suelo en el centro y los músicos alrededor de él en acción sonora.

El espectáculo será grabado en video y posteriormente editado y mezclado con la música, que se expondrá junto con el resultado pictórico a modo de instalación, durante el periodo de tiempo que se considere oportuno. Es un espectáculo que se puede repetir en varias sesiones en el mismo día o días diferentes, y el resultado plástico y sonoro puede variar mucho de una sesión a otra. Esto permite al espectador ser testigo de un proceso creativo único e irrepetible.

Fotos de su estreno aquí.

Vídeo1
Vídeo2
Vídeo3
Vídeo4
Vídeo5

Audio1
Audio2
Audio3
Audio4

Vïdeos del documental de Juan Pablo Zabala sobre la obra “Cosmogónica Vasca” de Nestor Basterretxea, con música del proyecto “Soundpainting” de Sirius:

Vídeo1
Vídeo2

descarga del dossier >>

“Morfología Sonora” pretende plasmar los caminos emprendidos por la música contemporánea española partiendo de la figura del compositor Carmelo Bernaola, como un sentido homenaje al maestro de varias generaciones de compositores actuales.

Una de las señas de identidad del proyecto es la presencia de importantes creadores españoles, cuyo trabajo ha podido escucharse ya en los principales foros de nueva creación musical.

PROGRAMA

Gabriel Erkoreka (1969*)
“Nubes I”, para piano (1994)
Cúmulos…
…nimbos

Sergio Gutiérrez Rodríguez (1975*)
“Job”, para piano y electrónica (2007)

Antonio Lauzurika (1964*)
“Aliaria”, para piano (1995)

Zuriñe F. Gerenabarrena (1965*)
“Zeihar”,  para piano y electrónica(2005)

Carmelo Bernaola (1929-2002)
Morfología Sonora, para piano (1963-1967)

Alfonso García de la Torre (1964*)
“Trazo” (Homenaje a C. Bernaola), para piano y electrónica (1999)

Sofía Martínez (1965*)
“Estelas en la mar”, para piano, electrónica y video (2007)

Alfonso Gómez, piano
Ignacio Monterrubio, asistente musical
Zuriñe F. Guerenabarrena, compositora & live electronics
Alfonso G. de la Torre, director artístico

Concierto-homenaje a Francisco Guerrero y Miguel Ángel Guillén

“Si miras al campo estás viendo música, las mismas leyes lo rigen todo”. La música de Francisco Guerrero (1951-1997) es, en su esencia, un esfuerzo apasionado para establecer un nexo profundo entre el universo de los sonidos y la realidad física que nos rodea. Una realidad que, más allá de su apariencia, es un torbellino alimentado por continuas cargas y descargas de energía. El compositor encontró pronto en las matemáticas la base de esa vinculación. El mundo es matemático, afirma Roger Penrose, y no lo es sólo en un sentido cuantitativo, sino también cualitativo. Las matemáticas nos rodean y nos moldean, conforman modelos que determinan nuestra propia naturaleza y la del cosmos entero. Por ello, Guerrero buscó primero en la combinatoria y luego en la fractalidad unas claves que, lejos de reducir el componente matemático a un esquema rígido y abstracto donde verter un contenido de tipo musical, lo inscribieran en un circuito dinámico y vital. Al mismo tiempo, el número se convierte para el músico en algo parecido a la metáfora para el poeta: una puerta para establecer un contacto entre identidades múltiples y alejadas, un elemento capaz de fijar relaciones entre elementos diversos. Para Guerrero, el número era un principio ordenador de la totalidad. Desde 1992, Guerrero empezó a componer sirviéndose de programas de ordenador desarrollados en colaboración con el ingeniero informático Miguel Ángel Guillén (1962-2007). Cada obra escrita a partir de Rigel supone al mismo tiempo una ampliación y un perfeccionamiento de los programas informáticos, adaptados con creciente precisión a las necesidades y a los planteamientos conceptuales y musicales del lenguaje guerreriano. De ninguna manera, el ordenador sustituía el trabajo del compositor, sino que permitía llevar a cabo una serie de operaciones numéricas que de otra manera hubiesen requerido mucho tiempo para su realización. En otras palabras, la ventaja del uso del ordenador era de orden práctico y no perjudicaba la primacía de las decisiones del artista.

Zayin VI (1996) es una de las más asombrosas muestras de la capacidad de Guerrero de extraer la más amplia variedad de soluciones a partir de un número reducido de elementos. Toda la pieza está generada a partir de una única envolvente que se presenta en su forma típica (la sucesión de semicorcheas al comienzo de la pieza), estirada (secciones de notas largas), superpuesta (secciones de dobles cuerdas) o dispuestas en horizontal (acordes de cuatro cuerdas en arpegios). En este último caso, el compositor le pidió crear a Miguel Ángel un programa informático suplementario capaz de generar acordes que, a pesar de su complejidad y dificultad técnica, fuesen al mismo tiempo ejecutables en el violín. Obra de una tensión y un virtuosismo descomunales, Zayin VI confirma una vez más la extraordinaria sensibilidad de Guerrero por la modulación de los grosores sonoros, explotando de manera insistida la cuarta cuerda del violín, la más grave, de la que obtiene un sonido grueso y denso. Zayin VI invierte la tradicional imagen del violín, cuyo canto se sitúa en las alturas del registro agudo, y lo precipita en las hirvientes profundidades de un magma violento, de sacudidas telúricas.

Dentro del amplio número de alumnos de Guerrero, Alberto Posadas y Carlos Satué se encuentran entre los que apelan directamente al universo conceptual del maestro, si bien cada uno de ellos ha seguido un camino y una evolución personal. Ya en los años noventa Carlos Satué (Zaragoza, 1958) ha desarrollado por cuenta propia nuevos programas informáticos, construyendo una música en la que el componente fractal interviene hasta en una perspectiva exquisitamente gráfica, definiendo la filigrana de las líneas sonoras. Prolífico autor de un amplio catálogo, ha tratado todos los géneros y todos las plantillas incluido el piano: un instrumento que, dada la imposibilidad de realizar microintervalos, ha tenido un lugar muy reducido en la producción de Guerrero. El motor compositivo de En los extremos (1999) “surge de una imagen fractal perteneciente al conjunto de Julia en una representación concreta que contiene una clara simetría en el eje de ordenadas. Dicha imagen condensa un gran número de estructuras en los extremos, lo que provoca el título de la obra”, explica Satué. “Una idea que recorre toda la obra es la superposición de una arquitectura madre sobre sí misma un número considerable de veces. Con posterioridad, cada copia es desdibujada… lo que provoca imitaciones y cánones”. Escrito para dos pianos, dos percusionistas y dispositivo electroacústico, En los extremos se basa en una serie de materiales que ora surgen íntegramente, ora de forma incompleta, ora deformados, pero siempre en permanente cambio. Sin embargo, la presencia de algunos elementos referenciales claros sirve como señales de orientación para ayudar al oyente en el discurrir de la pieza.

En la definición de la música de Alberto Posadas (Valladolid, 1967), además de la insoslayable referencia guerreriana, influyen también de forma poderosa los nombres de Luigi Nono y Giacinto Scelsi. Su interés por la exploración de las fibras diminutas del sonido se acompaña de una notable capacidad para articular las grandes dimensiones y los amplios arcos de tensión que las sustentan. En los últimos años, su lenguaje ha incorporado sugestiones del espectralismo y ha desarrollado elementos topológicos de naturaleza arquitectónica y pictórica. Escrita en 2002 para saxofones, percusión, acordeón, violonchelo y electrónica, Versa est in luctum toma el título de un pasaje del libro de Job al que Tomás Luís de Victoria puso música en su Réquiem. La relación con la pieza de Victoria tan sólo subsiste en la utilización de algunos breves fragmentos de ella para elaborar la parte de la cinta, junto a fragmentos de obras del propio Posadas y muestras de multifónicos de saxofón. Hay, aquí como en otras composiciones del autor, una especie de autobiografía oculta que se objetiva en formas musicales puramente abstractas y neutras. Sin embargo, la imagen que figura en el texto de Job -la transformación del sonido en llanto- actúa en la pieza a un nivel más profundo, aludiendo a un idea de transformación “simbólica, personal y subjetiva, que explora especialmente las relaciones acústicas propias de los registros extremos de los instrumentos en relación a los de la cinta, buscando la mayor fusión posible entre ambos. Sonidos de diferente naturaleza percusiva articulan el discurso, a la vez que adquieren un significado casi litúrgico o ritual dentro del mismo” (Posadas).

En el Madrid de los primeros años setenta, la figura de Carmelo Bernaola era uno de los grandes referentes de la creación musical contemporánea. Resulta por lo tanto lógico y casi inevitable que el joven Guerrero, recién llegado a la capital española desde Granada, entablara amistad con el más experimentado maestro. Si bien el lenguaje musical guerreriano tomaría pronto caminos muy distintos, hay numerosos testimonios del trato cordial y del interés recíproco que los dos mantuvieron en aquellos años. Prueba de ello es la dedicatoria a Bernaola de uno de los primeros grandes logros de Guerrero: Anemos C (1976). Con Morfología sonora para piano (1963-67), Bernaola da un paso más en la investigación de las técnicas aleatorias, ya exploradas a escala orquestal en Espacios variados (1962). Sobre las modalidades de ejecución de la pieza, escribe José Luís García del Busto: “La disposición de la partitura -que el intérprete deberá mantener totalmente desplegada ante sí- es la siguiente: en columna se ofrecen tres espacios a tempo y, a continuación en “tabla” rectangular de 3×4, se presentan los espacios senza tempo [...] El pianista elige entre empezar con el primer espacio a tempo o el primer espacio senza tempo y, a partir de este momento, elige libremente la sucesión de espacios atendiéndose simplemente a estas dos normas: hay que alternar la ejecución de espacios a tempo / senza tempo, pasando siempre de un tipo a otro [...] una vez tocado el primer espacio, el orden de todos los demás es aleatorio, lo elige libremente el intérprete”. Pese a que la forma de la obra es susceptible de múltiples variaciones, Morfología sonora encuentra su rasgo definitorio en el carácter contrastado de la escritura, basado en la amplia variedad de ataques, dinámicas y matices expresivos.

Stefano Russomanno

PROGRAMA

Carmelo Bernaola (1929-2002)
Morfología sonora (1963/67)
piano solo

Carlos Satué (1958)
En los extremos (1999) estreno absoluto
dos pianos, dos percusionistas y electroacústica

Francisco Guerrero (1951-1997)
Zayin VI (1996)
violin solo

Alberto Posadas (1967)
VERSA EST IN LUCTUM (2002)
saxofones, acordeón, violonchelo, percusión y electroacústica

STAFF

Nacho de Paz, director invitado
Josetxo Silguero, coordinación musical & saxofones
Iñaki Alberdi, acordeón
Victor Parra, violín
Marco Pereira, violonchelo
Sergio Gutiérrez & Alfonso Gómez, piano
Olaia Montoya & Javier Alonso , percusión
Javier Larreina, escenografía
Javi Ulla, iluminación
Actriz (recitadora), Mariam Martín
Dirección escénica, Mari Cruz Irazabal
Alfonso García de la Torre, dirección artística & electroacústica

El 50 aniversario de la muerte del escritor Bertolt Brecht (1898-1956) nos brinda una excelente oportunidad para recordar uno de los aspectos más significativos de la música del período de entreguerras. Europa vivió una época de profundos cambios políticos en donde surgen numerosas inquietudes artísticas comprometidas con el entorno social. Muchos de los acontecimientos de estos años se vieron reflejados en todos los ámbitos culturales, teniendo especial incidencia en la música.

Los compositores lanzaban una mirada hacia otros géneros musicales, algunos de los cuales rompían de algún modo con las normas establecidas. Atracción por el exotismo de las músicas populares, las canciones de cabaret, el teatro musical, el jazz, tango, foxtrot, etc. En definitiva, un cúmulo de estilos que resultaban enormemente atractivos para el músico, permitiendo en cierto modo una mayor libertad de expresión y una comunicación más directa con el publico.

Las obras seleccionadas permiten establecer un breve pero intenso recorrido por lugares comunes de una Europa irrepetible. Empezamos el periplo en Berlín, enclave de primer orden en todas las artes, en donde trabajaba el dúo formado por Kurt Weill (1900-1956) y Bertolt Brecht, quienes llegarían a redefinir el concepto de teatro musical con la Opera de los tres centavos (Die Dreigroschenoper). Música y texto se funden en canciones de carácter satírico, realizando una crítica directa al sistema y las costumbres de entonces.

En Alemania destacaba a su vez la trayectoria de Paul Hindemith (1895-1963), quien compuso partituras como el quinteto de viento Kleine Kammermusik op.24, obra en la que comienza a perfilar su estilo neoclásico conteniendo claras alusiones al jazz. Años después defendería junto a Brecht la denominada Gebrauchsmusik, un género musical utilitario y funcional que pretendía aproximar al público partituras de fácil comprensión.

En Francia las propuestas jazzisticas que Maurice Ravel (1875-1937) plasmaba en la Sonata para violín nos permiten constatar la gran talla de un compositor atento a su entorno y a las músicas de su tiempo. Posteriormente en los años 30 otros compositores franceses seguirían este camino en numerosas composiciones.

Al igual que en Alemania, los acontecimientos políticos se proyectaron en la vida musical de Rusia. Como referencia obligada es necesario acercarse a la figura de Dmitri Shostakovich (1906-1975), en el centenaro de su nacimiento, con una obra que refleja las inquietudes de un compositor fundamental para el siglo XX. Lamentablemente dos años después de su estreno sufriría la intolerancia de las autoridades soviéticas, siendo sometido a todo tipo de presiones políticas.

El compositor y pianista checo Edwin Schulhoff (1894-1942) integra magistralmente elementos jazzísticos en su Hot-Sonata para saxofón alto y piano. Sus obras y las de otros muchos compositores recibieron por parte del nazismo la etiqueta de música degenerada (Entartete Musik). Gran cantidad de artistas como Weill, Brecht y Hindemith debieron optar en los años 30 por el exilio. Schulhoff moriría deportado en un campo de concentración: Europa había descendido ya hacia el abismo.

PROGRAMA

Kurt Weill / Texto: B. Brecht
Nanna’s Lied (1939)

Maurice Ravel
Sonata (1923-27) - Blues

Kurt Weill / Texto: B. Brecht
Barbara Song (1928) de “Die Dreigroschenoper”

Paul Hindemith
Kleine Kammermusik op.24 nº2 (1922)

Kurt Weill / Texto: B. Brecht
Surabaya-Johnny (1929) de “Happy End”

Erwin Schulhoff
Hot-Sonate (1930) - 2º y 3er mov.

Kurt Weill / Texto: B. Brecht
Ballade von der sexuellen Hörigkeit (1928) de “Die Dreigroschenoper”.

Dmitri Shostakovich
Sonata en re menor, op. 40 (1934) - Allegro

Kurt Weill / Texto: B. Brecht
Moritat von Mackie Messer (1928) de “Die Dreigroschenoper”

STAFF

Itziar Lesaka, mezzosoprano
Roberto Casado, flauta
Vicente Elizondo, oboe
Patxi Divar, clarinete
Iñaki Iraola, fagot
Patxi Tardio, trompa
Josetxo Silguero, saxofón alto
Víctor Parra, violín
François Monciero, violoncello
Sergio Gutiérrez, piano
Arantxa Ezquerra, actriz
Javier Larreina, escenografía
Javi Ulla, iluminación
Mari Cruz M. Irazabal, dirección de actores
Alfonso García de la Torre, dirección artística

descarga del dossier >>

Espectáculo que está dedicado a las últimas propuestas de la música experimental y su interacción con la imagen controlada por un videoj. El proyecto propone diferentes formas de aplicación de la tecnología a la música, la experimentación y el contraste con elementos visuales. Intenso recorrido acústico que aportará a la audiencia nuevas perspectivas de percepción.

“Sirius”, homenaje a Karlheinz Stockhausen (1928-2007).

“ A menudo las palabras tergiversan y son peligrosas. No ilustran como la fotografía, no penetran como en bisturí. Siempre he sostenido que para descubrir un pájaro hay que matarlo antes. La práctica de la anatomía requiere que el objeto esté muerto, que haya dejado de moverse”

“La música ha de obedecer tan solo a su necesidad intrínseca de verse libre de todo vínculo político y social, libre de la obligación de entretener y de servir a un cierto público, una música que ha de representar el grado máximo de cuanto el compositor pueda imaginar desde el punto de vista de la perfección y el misterio.”

“Así hago yo la música, inventando formas nuevas y capaces de vivir en un medio tímbrico adecuado, en un tejido, en una estructura orgánica abiertos a todo desarrollo, dispuestos a transformarse y crecer como animales y plantas”

K. Stockhausen

Este proyecto se estrenó en el museo Artium de Vitoria-Gasteiz dentro del Festival Internacional Sinkro 08.

Guillermo Lauzurika, sintetizadores y sampler
Ignacio Moterrubio, laptop
Alfonso G. de la Torre, sintetizadores
Gorka Aguado, videoJ
Javier Larreina, escenografía

Fotos de su estreno aquí.

AKUSMA es una propuesta sensorial de luz y sonido en el que se difundirá una selección de obras acusmáticas del panorama internacional Cita ineludible para aquellos que quieran descubrir nuevas sonoridades.

El Aula Magna del Conservatorio de Vitoria-Gasteiz cuenta con un sistema único de sonorización que permite control total de 16 canales de proyección sonora.

OBRAS AKUSMA 08

Ce si lancinant silence. Bruno Capelle
Chambre de ténebres. Francis Dhomont
Corrie. Denis Smalley
Chambre d’enfants. Francis Dhomont
Ad nilo. José Manrique
Antichambre. Francis Dhomont
Sinapsis. Carlos D. Perales
Chambre de lumières. Francis Dhomont
Fantasme, mode d’emploi. Francis Dhomont

Danel Ibisate / Ignacio Monterrubio
Iluminación y difusión electroacústica

Fotos de su estreno aquí.

OBRAS AKUSMA 07

Geologie Sonora (De natura Sonorum). Parmegiani
Tongues of fire. Trevor Wishart
Salto Mortal. Julio D’escrivan
Le Voyage au Paradis. Dieter Kaufmann
Busk. Nicholas Virgo - Alistair MacDonald
AvatArsSon. Francis Dhomont
Incident y Jeux, (La ville, Die Stadt). Pierre Henry

Danel Ibisate / Ignacio Monterrubio
Iluminación y difusión electroacústica